Meta description :  Les 12 principes de l’animation sont la clé pour réaliser des animations que les gens aimeront voir, nous vous les expliquons brièvement.

Les 12 principes à connaître sur les animations

Si vous voulez vous consacrer à l’animation, il y a certaines règles à suivre, peu importe que vous fassiez des vidéos courtes, un film ou si vous créez des jeux vidéo, ces 12 principes de l’animation sont indispensables pour obtenir des produits de haute qualité et réussir votre carrière d’animateur.

Les 12 principes de l’animation

Ces 12 principes ont toujours existé, surtout depuis que les pionniers ont commencé avec leurs premières créations. Il est bizarre que ces principes continuent d’être utilisés dans tous les films et séries animées que vous pouvez trouver. Lisez la suite pour savoir quelles sont ces règles qui donneront vie à vos créations.

1-Étirer et rétrécir

En anglais, c’est ce qu’on appelle squash & stretch. Ce principe ajoute à vos animations l’illusion d’avoir du poids et de la flexibilité. L’exemple classique est celui d’une balle : pour réaliser un bon effet d’animation, elle doit rebondir et pour créer cette illusion, elle doit rétrécir lorsqu’elle touche le sol et s’étirer lorsqu’elle remonte.

Cela peut être appliqué aux muscles, à la peau, aux os et à un grand nombre d’objets.  

2-Anticipation

L’anticipation est ce qui se passe avant un saut, quand un personnage éternue et c’est essentiellement une avance sur l’action. Elle sert à préparer les spectateurs à l’action suivante, ce principe ajoute un grand réalisme aux animations.

3-Mise en scène

Ou « staging » en anglais. Ce qui est recherché ici est de parvenir à une meilleure narration de l’histoire en mettant l’accent sur l’écran là où on veut que les gens regardent, cela aide le spectateur à ne pas se perdre tout au long de l’animation.

4-Animation directe et pose à pose

En anglais, c’est « straight-ahead action and pose-to-pose », ce principe est utilisé pour créer une animation plus fluide et réaliste. Comme son nom l’indique, il consiste à dessiner chaque pose du personnage par cadre, du début à la fin de l’animation. On peut commencer par les poses clés, puis remplir ensuite avec les intermédiaires.

5- Action complémentaire et action superposée

En anglais, « follow through and overlapping action », il s’agit de ce qui suit.

• Action complémentaire : s’applique aux éléments qui sont séparés du personnage et doivent également suivre un mouvement indépendant.
• Action superposée : Ce sont ces parties d’un élément qui devraient se déplacer selon l’élément principal.

Cela ajoute plus de réalisme aux animations, et peut être appliqué aux vêtements, aux cheveux, entre autres.

6-Entrées et sorties lentes

Aussi connu sous le nom d’accélération et de ralentissement, ce sont ces mouvements appliqués au début et à la fin de l’animation. En réalité, on commence avec une position de repos, puis on se met à accélérer et à ralentir pour prendre une autre pose. La même chose doit s’appliquer à l’animation.

7-Arc

Les mouvements dans l’animation suivent une trajectoire en forme d’arc pour les rendre plus réalistes, c’est un mouvement basé sur la réalité. Les mouvements ne se font presque jamais en ligne, sauf s’il s’agit d’un objet rigide.

8-Action secondaire

En anglais, ce serait « secondary action » et cela aide essentiellement l’action principale. Par exemple, si un chien animé a le visage triste, une action secondaire qui aiderait à renforcer l’action principale serait qu’il baisse les oreilles.

9-Timing

Le timing est ce qui indique la vitesse qu’aura une animation, cela a à voir avec les cadres, c’est super important car grâce au timing, des émotions et des situations plus complexes peuvent être créées. Un exemple clair est lorsque le personnage est en colère ou pressé, le timing sera plus rapide.

10-Exagération

L’exagération aide beaucoup les films d’animation, car on ne cherche pas toujours à rendre l’animation très réaliste, alors l’exagération aide à lui donner ce style comique, mais il ne faut pas non plus en faire trop. Ce qui est recherché grâce à l’exagération est qu’une action normale soit beaucoup plus évidente. On peut la reconnaître lorsqu’un personnage s’étire, s’écrase ou commence à devenir un peu plus grand lorsqu’il crie.

11-Dessin solide

Pour qu’un dessin ait une forme tridimensionnelle, il faut tenir compte des ombres, de l’éclairage, du volume, du poids et de la perspective, sinon il sera très plat.

12-Personnalité ou apparence

En anglais, c’est « appeal », l’apparence joue un rôle important dans un personnage, que nous voulions qu’il ait l’air moche, sexy, dur, comique, etc.

Ce sont les douze principes de l’animation, il est évident que vous devriez tous les appliquer pour obtenir des animations à la hauteur des meilleures, nous espérons que vous les comprendrez et les mettrez en pratique dès que possible.